Ảnh: Bảo tàng Lịch sử Naturhistorisches lịch sự

Tác phẩm điêu khắc lịch sử nghệ thuật của bạn, bức tượng nhỏ bé có chiều cao chỉ hơn 4 inch này được phát hiện ở Áo vào năm 1908. Không ai biết nó có chức năng gì, nhưng phỏng đoán đã đi từ nữ thần sinh sản đến hỗ trợ thủ dâm. Một số học giả cho rằng đây có thể là bức chân dung tự họa do một người phụ nữ thực hiện. Đây là món đồ nổi tiếng nhất trong số nhiều đồ vật có niên đại từ thời đồ đá cũ.

Ảnh: Được phép CC/Wiki Media/Philip Pikart

Bức chân dung này là biểu tượng của vẻ đẹp nữ tính kể từ khi nó được khai quật lần đầu tiên vào năm 1912 trong đống đổ nát của Amarna, thủ đô được xây dựng bởi vị Pharaoh gây tranh cãi nhất trong lịch sử Ai Cập cổ đại: Akhenaten. Cuộc đời của hoàng hậu của ông, Nefertiti, là một điều gì đó bí ẩn: Người ta cho rằng bà đã cai trị với tư cách là Pharaoh một thời gian sau cái chết của Akhenaten—hoặc nhiều khả năng hơn, là người đồng nhiếp chính của Vua Bé Tutankhamun. Một số nhà Ai Cập học tin rằng bà thực sự là mẹ của Tut. Bức tượng bán thân bằng đá vôi phủ vữa này được cho là tác phẩm của Thutmose, nhà điêu khắc cung đình của Akhenaten.

Ảnh: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Được phát hiện vào năm 1974, Đội quân đất nung là một kho tượng khổng lồ bằng đất sét được chôn trong ba hố lớn gần lăng mộ của Thủy Hoàng, vị Hoàng đế đầu tiên của Trung Quốc, qua đời vào năm 210 trước Công nguyên. Nhằm bảo vệ anh ta ở thế giới bên kia, quân đội được ước tính có hơn 8.000 binh sĩ cùng với 670 con ngựa và 130 xe ngựa. Mỗi người đều có kích thước thật, mặc dù chiều cao thực tế thay đổi tùy theo cấp bậc quân đội.

Ảnh: Được phép CC/Wiki Media/LivioAndronico

Có lẽ tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất thời cổ đại La Mã,Laocoön và các con trai của ôngban đầu được khai quật ở Rome vào năm 1506 và được chuyển đến Vatican, nơi nó tồn tại cho đến ngày nay. Nó dựa trên huyền thoại về một linh mục thành Troy bị giết cùng với các con trai của mình bởi những con rắn biển do thần biển Poseidon gửi đến để trả thù cho nỗ lực của Laocoön nhằm vạch trần mưu mẹo của Con ngựa thành Troy. Ban đầu được lắp đặt trong cung điện của Hoàng đế Titus, nhóm tượng có kích thước thật này, được thực hiện bởi bộ ba nhà điêu khắc Hy Lạp đến từ Đảo Rhodes, là một tác phẩm nghiên cứu về nỗi đau khổ của con người có một không hai.

Ảnh: Được phép CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Là một trong những tác phẩm mang tính biểu tượng nhất trong lịch sử nghệ thuật, David của Michelangelo có nguồn gốc từ một dự án lớn hơn nhằm trang trí các trụ của nhà thờ lớn ở Florence, Duomo, với một nhóm các nhân vật được lấy từ Cựu Ước. cácDavidlà một, và thực sự được bắt đầu vào năm 1464 bởi Agostino di Duccio. Trong hai năm tiếp theo, Agostino đã cố gắng tạo ra một phần khối đá cẩm thạch khổng lồ được đẽo từ mỏ đá nổi tiếng ở Carrara trước khi dừng lại vào năm 1466. (Không ai biết tại sao.) Một nghệ sĩ khác đã bắt tay vào việc, nhưng anh ta cũng chỉ đã làm việc trên nó một thời gian ngắn. Đá cẩm thạch vẫn còn nguyên vẹn trong 25 năm tiếp theo, cho đến khi Michelangelo tiếp tục chạm khắc nó vào năm 1501. Lúc đó ông 26 tuổi. Khi hoàn thành, bức tượng David nặng tới 6 tấn, nghĩa là nó không thể được nâng lên nóc nhà thờ. Thay vào đó, nó được trưng bày ngay bên ngoài lối vào Palazzo Vecchio, tòa thị chính của Florence. Hình tượng này, một trong những tác phẩm chắt lọc thuần túy nhất của phong cách Phục hưng Cao, ngay lập tức được công chúng Florentine đón nhận như một biểu tượng cho sự phản kháng của chính thành phố-nhà nước chống lại các thế lực dàn trận chống lại nó. Năm 1873,Davidđã được chuyển đến Phòng trưng bày Accademia và một bản sao đã được cài đặt ở vị trí ban đầu.

Ảnh: Được phép CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Được công nhận là người khởi xướng phong cách Baroque Thượng La Mã, Gian Lorenzo Bernini đã tạo ra kiệt tác này cho một nhà nguyện trong Nhà thờ Santa Maria della Vittoria. Phong cách Baroque gắn bó chặt chẽ với phong trào Phản cải cách mà qua đó Giáo hội Công giáo cố gắng ngăn chặn làn sóng đạo Tin lành đang lan tràn khắp châu Âu thế kỷ 17. Các tác phẩm nghệ thuật như của Bernini là một phần của chương trình tái khẳng định giáo điều của Giáo hoàng, được phục vụ rất tốt ở đây bởi thiên tài của Bernini trong việc lồng ghép các cảnh tôn giáo bằng những câu chuyện đầy kịch tính.Thuốc lắclà một trường hợp điển hình: Chủ đề của nó—Thánh Teresa thành Ávila, một nữ tu Carmelite người Tây Ban Nha và nhà thần bí, người đã viết về cuộc gặp gỡ của cô với một thiên thần—được miêu tả giống như thiên thần chuẩn bị đâm một mũi tên vào tim cô.Thuốc lắcâm bội khiêu dâm của không thể nhầm lẫn, rõ ràng nhất là ở biểu cảm cực khoái của nữ tu và tấm vải quằn quại quấn quanh cả hai nhân vật. Là một kiến ​​trúc sư đồng thời là một nghệ sĩ, Bernini cũng đã thiết kế khung cảnh của Nhà nguyện bằng đá cẩm thạch, vữa và sơn.

Ảnh: Được phép của Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan / Quỹ Fletcher

Nghệ sĩ người Ý Antonio Canova (1757–1822) được coi là nhà điêu khắc vĩ đại nhất thế kỷ 18. Tác phẩm của ông là hình ảnh thu nhỏ của phong cách Tân Cổ điển, như bạn có thể thấy trong tác phẩm thể hiện anh hùng thần thoại Hy Lạp Perseus bằng đá cẩm thạch. Canova thực sự đã tạo ra hai phiên bản của tác phẩm: Một phiên bản đặt tại Vatican ở Rome, trong khi phiên bản còn lại đặt tại Tòa án Điêu khắc Châu Âu của Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan.

Ảnh: Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan

Trong khi bậc thầy trường phái Ấn tượng Edgar Degas được biết đến nhiều nhất với tư cách là một họa sĩ, ông cũng làm việc trong lĩnh vực điêu khắc, tạo ra thứ được cho là nỗ lực cấp tiến nhất trong tác phẩm của mình. Degas thời trangCô bé vũ công mười bốn tuổilàm bằng sáp (từ đó các bản sao đồng tiếp theo được đúc sau khi ông qua đời vào năm 1917), nhưng việc Degas mặc cho nhân vật cùng tên của mình một bộ trang phục múa ba lê thực sự (hoàn chỉnh với vạt áo, váy xòe và dép) và đội tóc giả bằng tóc thật đã gây ra một cảm giác khivũ côngra mắt tại Triển lãm Ấn tượng lần thứ sáu năm 1881 ở Paris. Degas quyết định che hầu hết các chi tiết trang trí của mình bằng sáp để phù hợp với các đặc điểm còn lại của cô gái, nhưng anh ấy vẫn giữ chiếc váy xòe cũng như một dải ruy băng buộc sau tóc của cô ấy, khiến nhân vật này trở thành một trong những ví dụ đầu tiên về đồ vật được tìm thấy. nghệ thuật.vũ cônglà tác phẩm điêu khắc duy nhất mà Degas trưng bày trong đời; sau khi ông qua đời, người ta còn tìm thấy khoảng 156 mẫu khác đang nằm mòn mỏi trong xưởng vẽ của ông.

Ảnh: Bảo tàng nghệ thuật lịch sự Philadelphia

Trong khi hầu hết mọi người liên tưởng đến nhà điêu khắc vĩ đại người Pháp Auguste Rodin vớiNgười suy nghĩ, quần thể này kỷ niệm một sự kiện trong Chiến tranh Trăm năm (1337–1453) giữa Anh và Pháp, quan trọng hơn đối với lịch sử điêu khắc. Được giao cho một công viên ở thành phố Calais (nơi cuộc bao vây kéo dài một năm của người Anh năm 1346 đã được dỡ bỏ khi sáu trưởng lão của thị trấn tự nộp mình để hành quyết để đổi lấy việc cứu dân chúng),gia đình Burgherstránh hình thức điển hình của các tượng đài vào thời điểm đó: Thay vì các hình tượng bị cô lập hoặc xếp chồng lên nhau thành kim tự tháp trên đỉnh bệ cao, Rodin đã lắp ráp các đối tượng có kích thước thật của mình ngay trên mặt đất, ngang tầm với người xem. Động thái triệt để hướng tới chủ nghĩa hiện thực này đã phá vỡ cách đối xử anh hùng thường dành cho những tác phẩm ngoài trời như vậy. Vớigia đình Burghers, Rodin đã thực hiện một trong những bước đầu tiên hướng tới điêu khắc hiện đại.

Ảnh: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

Vào năm 1912, Picasso đã tạo ra một tác phẩm bằng bìa cứng có tác động to lớn đến nghệ thuật thế kỷ 20. Cũng trong bộ sưu tập của MoMA, nó mô tả một cây đàn guitar, một chủ đề mà Picasso thường khám phá trong hội họa và cắt dán, và ở nhiều khía cạnh,đàn ghi-tađã chuyển kỹ thuật cắt và dán ảnh ghép từ hai chiều sang ba chiều. Điều tương tự cũng xảy ra với Chủ nghĩa Lập thể, bằng cách lắp ráp các hình dạng phẳng để tạo ra một hình dạng đa diện cả về chiều sâu và khối lượng. Sự đổi mới của Picasso là tránh việc chạm khắc và tạo hình thông thường đối với một tác phẩm điêu khắc từ một khối rắn. Thay vì,đàn ghi-tađược gắn chặt với nhau như một cấu trúc. Ý tưởng này sẽ vang dội từ Chủ nghĩa kiến ​​tạo Nga cho đến Chủ nghĩa tối giản và hơn thế nữa. Hai năm sau khi thực hiệnđàn ghi-tabằng bìa cứng, Picasso đã tạo ra phiên bản này bằng thiếc cắt nhỏ

Ảnh: Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan

Từ sự khởi đầu triệt để cho đến hiện thân cuối cùng của chủ nghĩa phát xít, Chủ nghĩa Vị lai Ý đã gây chấn động thế giới, nhưng không có tác phẩm nào minh họa cho sự mê sảng tuyệt đối của phong trào hơn tác phẩm điêu khắc này của một trong những ngôi sao sáng hàng đầu của nó: Umberto Boccioni. Khởi đầu là một họa sĩ, Boccioni chuyển sang làm việc trong không gian ba chiều sau chuyến đi tới Paris năm 1913, trong đó ông đi tham quan xưởng vẽ của một số nhà điêu khắc tiên phong trong thời kỳ đó, chẳng hạn như Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon và Alexander Archipenko. Boccioni đã tổng hợp ý tưởng của họ thành kiệt tác năng động này, mô tả một nhân vật sải bước trong một “sự liên tục tổng hợp” của chuyển động như Boccioni đã mô tả. Tác phẩm ban đầu được tạo ra bằng thạch cao và không được đúc bằng phiên bản đồng quen thuộc cho đến năm 1931, ngay sau cái chết của nghệ sĩ vào năm 1916 với tư cách là thành viên của một trung đoàn pháo binh Ý trong Thế chiến thứ nhất.

Ảnh: Được phép CC / Flickr / Steve Guttman NYC

Sinh ra ở Romania, Brancusi là một trong những nhà điêu khắc quan trọng nhất của chủ nghĩa hiện đại đầu thế kỷ 20 và thực sự là một trong những nhân vật quan trọng nhất trong toàn bộ lịch sử điêu khắc. Là một người theo chủ nghĩa tối giản, Brancusi lấy các hình thức từ thiên nhiên và sắp xếp chúng thành những hình ảnh trừu tượng. Phong cách của ông chịu ảnh hưởng của nghệ thuật dân gian quê hương, thường có các họa tiết hình học rực rỡ và họa tiết cách điệu. Ông cũng không phân biệt giữa vật thể và đế, coi chúng, trong một số trường hợp nhất định, như những thành phần có thể hoán đổi cho nhau - một cách tiếp cận thể hiện sự phá vỡ quan trọng với truyền thống điêu khắc. Tác phẩm mang tính biểu tượng này là chân dung của người mẫu và người yêu của ông, Margit Pogány, một sinh viên nghệ thuật người Hungary mà ông gặp ở Paris vào năm 1910. Lần lặp lại đầu tiên được chạm khắc bằng đá cẩm thạch, tiếp theo là một bản sao thạch cao mà từ đó chiếc đồng này được tạo ra. Bản thân thạch cao đã được trưng bày ở New York tại Triển lãm Armory huyền thoại năm 1913, nơi các nhà phê bình chế nhạo và chê bai nó. Nhưng nó cũng là tác phẩm được tái hiện nhiều nhất trong chương trình. Brancusi đã làm việc trên nhiều phiên bản khác nhau củaCô Poganytrong khoảng 20 năm.

Ảnh: Courtesy Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại

bánh xe đạpđược coi là sản phẩm làm sẵn mang tính cách mạng đầu tiên của Duchamp. Tuy nhiên, khi hoàn thành tác phẩm tại xưởng vẽ ở Paris, anh thực sự không biết nên gọi nó là gì. Duchamp sau này nói: “Tôi có một ý tưởng thú vị là buộc một bánh xe đạp vào một chiếc ghế đẩu trong bếp và quan sát nó quay. Phải mất một chuyến đi tới New York vào năm 1915 và tiếp xúc với lượng hàng hóa sản xuất tại nhà máy khổng lồ của thành phố, Duchamp mới nghĩ ra thuật ngữ hàng may sẵn. Quan trọng hơn, ông bắt đầu nhận ra rằng việc làm nghệ thuật theo cách thủ công truyền thống dường như vô nghĩa trong Thời đại Công nghiệp. Ông cho rằng tại sao phải bận tâm khi các mặt hàng được sản xuất rộng rãi có thể thực hiện được công việc này. Đối với Duchamp, ý tưởng đằng sau tác phẩm nghệ thuật quan trọng hơn cách nó được tạo ra. Khái niệm này - có lẽ là ví dụ thực tế đầu tiên về Nghệ thuật Ý niệm - sẽ thay đổi hoàn toàn lịch sử nghệ thuật trong tương lai. Tuy nhiên, giống như một vật dụng gia đình thông thường, bản gốcbánh xe đạpđã không tồn tại: Phiên bản này thực sự là một bản sao có niên đại từ năm 1951.

Ảnh: Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Hiệp hội Quyền Nghệ sĩ (ARS), New York

Vật cố định được yêu thích trong bộ sưu tập cố định của Bảo tàng Whitney,Rạp xiếc Calderchắt lọc bản chất vui tươi mà Alexander Calder (1898–1976) đã thể hiện với tư cách là một nghệ sĩ đã giúp hình thành nên tác phẩm điêu khắc thứ 20.Xiếc, được tạo ra trong thời gian nghệ sĩ ở Paris, ít trừu tượng hơn những chiếc “di động” treo lơ lửng của ông, nhưng theo cách riêng của nó, nó cũng có tính động học: Được làm chủ yếu từ dây và gỗ,Xiếcđóng vai trò là trung tâm cho các màn trình diễn ngẫu hứng, trong đó Calder di chuyển xung quanh nhiều nhân vật khác nhau mô tả những người uốn dẻo, người nuốt kiếm, người thuần hóa sư tử, v.v., giống như người điều khiển võ đài thần thánh.

Ảnh: Được phép của Bảo tàng J. Paul Getty

Là họa sĩ và nhà thiết kế tấm thảm cũng như nhà điêu khắc, nghệ sĩ người Pháp Aristide Maillol (1861–1944) có thể được mô tả tốt nhất như một người theo chủ nghĩa Tân Cổ điển hiện đại, người đã tạo ra một nét tinh giản của thế kỷ 20 trên bức tượng Hy Lạp-La Mã truyền thống. Ông cũng có thể được mô tả là một người bảo thủ cấp tiến, mặc dù nên nhớ rằng ngay cả những người tiên phong đương thời như Picasso cũng đã tạo ra các tác phẩm chuyển thể từ phong cách Tân Cổ điển sau Thế chiến thứ nhất. Chủ đề của Maillol là phụ nữ khỏa thân, và trongL'Air, anh ấy đã tạo ra sự tương phản giữa khối lượng vật chất của đối tượng và cách cô ấy dường như lơ lửng trong không gian — có thể nói là cân bằng, thể chất cứng nhắc với sự hiện diện phù du.

Ảnh: Được phép CC/Flickr/C-Monster

Là một nghệ sĩ Nhật Bản làm việc trên nhiều phương tiện, Kusama đến New York vào năm 1957 và trở lại Nhật Bản vào năm 1972. Trong thời gian đó, cô tự khẳng định mình là một nhân vật chính của bối cảnh trung tâm thành phố, một người có nghệ thuật chạm đến nhiều nền tảng, bao gồm Pop Art, Chủ nghĩa tối giản và Nghệ thuật biểu diễn. Là một nữ nghệ sĩ thường đề cập đến tình dục nữ giới, bà cũng là người đi đầu trong Nghệ thuật Nữ quyền. Công việc của Kusama thường được đặc trưng bởi các mô hình gây ảo giác và sự lặp lại của các hình thức, khuynh hướng bắt nguồn từ một số tình trạng tâm lý nhất định — ảo giác, OCD — mà cô ấy phải chịu đựng từ khi còn nhỏ. Tất cả những khía cạnh này trong nghệ thuật và cuộc sống của Kusuma đều được phản ánh trong tác phẩm này, trong đó một chiếc ghế êm ái bọc nệm bình thường bị khuất phục một cách đáng kinh ngạc bởi sự bùng phát giống như bệnh dịch của những khối dương vật nhô ra được làm bằng vải nhồi bông được khâu.

Ảnh: Bảo tàng Nghệ thuật Hoa Kỳ Whitney, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Phòng trưng bày nghệ thuật Albright-Knox/Hiệp hội Quyền Nghệ sĩ (ARS), New York

Được biết đến đơn giản bằng tên, Marisol Escobar (1930–2016) sinh ra ở Paris với cha mẹ là người Venezuela. Là một nghệ sĩ, cô ấy gắn bó với Pop Art và sau đó là Op Art, mặc dù về mặt phong cách, cô ấy không thuộc nhóm nào. Thay vào đó, cô ấy tạo ra những hoạt cảnh tượng hình nhằm mục đích châm biếm nữ quyền về vai trò giới tính, người nổi tiếng và sự giàu có. TRONGPhụ nữ và chócô ấy đảm nhận việc khách quan hóa phụ nữ và cách mà các tiêu chuẩn nữ tính do nam giới áp đặt được sử dụng để buộc họ phải tuân theo.

Ảnh: Được phép CC / Flickr / Rocor

Brillo Box có lẽ là tác phẩm nổi tiếng nhất trong loạt tác phẩm điêu khắc mà Warhol tạo ra vào giữa những năm 60, tác phẩm đã đưa cuộc nghiên cứu của ông về văn hóa đại chúng vào không gian ba chiều một cách hiệu quả. Đúng như cái tên Warhol đã đặt cho xưởng vẽ của mình—Nhà máy—nghệ sĩ đã thuê thợ mộc để làm một loại dây chuyền lắp ráp, đóng đinh các hộp gỗ lại với nhau theo hình thùng carton cho nhiều sản phẩm khác nhau, bao gồm Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes và Campbell's Soup, cũng như tốt, miếng xà phòng Brillo. Sau đó, anh ấy sơn mỗi hộp một màu phù hợp với màu gốc (màu trắng trong trường hợp của Brillo) trước khi thêm tên sản phẩm và logo vào màn lụa. Được tạo thành nhiều phần, những chiếc hộp này thường được trưng bày thành từng chồng lớn, biến bất kỳ phòng trưng bày nào chúng ở thành một bản sao mang tính văn hóa cao của một nhà kho một cách hiệu quả. Hình dạng và quá trình sản xuất hàng loạt của chúng có lẽ là sự gợi ý—hoặc sự nhại lại—phong cách Tối giản mới ra đời lúc bấy giờ. Nhưng điểm thực sự củaHộp Brillolà việc nó gần giống với đồ thật đã phá vỡ các quy ước nghệ thuật như thế nào, bằng cách ngụ ý rằng không có sự khác biệt thực sự giữa hàng hóa được sản xuất và tác phẩm từ xưởng vẽ của một nghệ sĩ.

Ảnh: Được phép CC/Flickr/Esther Westerveld

Tên của Donald Judd đồng nghĩa với Nghệ thuật tối giản, phong trào giữa thập niên 60 chắt lọc khuynh hướng duy lý của chủ nghĩa hiện đại thành những thứ thiết yếu. Đối với Judd, điêu khắc có nghĩa là thể hiện rõ sự hiện diện cụ thể của tác phẩm trong không gian. Ý tưởng này được mô tả bằng thuật ngữ “đối tượng cụ thể” và trong khi những người theo chủ nghĩa Tối giản khác chấp nhận nó, Judd được cho là đã thể hiện ý tưởng này một cách thuần khiết nhất bằng cách sử dụng chiếc hộp làm hình thức đặc trưng của mình. Giống như Warhol, ông sản xuất chúng theo dạng lặp lại, sử dụng vật liệu và phương pháp mượn từ chế tạo công nghiệp. Không giống như những hộp súp của Warhol và Marilyns, nghệ thuật của Judd không đề cập đến điều gì bên ngoài chính nó. “Ngăn xếp” của anh ấy là một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của anh ấy. Mỗi cái bao gồm một nhóm các hộp nông giống hệt nhau làm bằng tấm kim loại mạ kẽm, nhô ra khỏi tường để tạo thành một cột gồm các phần tử cách đều nhau. Nhưng Judd, người khởi nghiệp là một họa sĩ, cũng quan tâm đến màu sắc và kết cấu cũng như hình thức, như được thấy ở đây qua lớp sơn mài thân ô tô màu xanh lá cây được phủ lên mặt trước của mỗi chiếc hộp. Sự tương tác giữa màu sắc và chất liệu của Judd mang lạiChưa có tiêu đề (Ngăn xếp)một vẻ sang trọng khó tính làm dịu đi tính chuyên chế trừu tượng của nó.

Ảnh: Được phép CC / Flickr / Rocor

Giống như Benglis, Hesse là một nữ nghệ sĩ đã sàng lọc Chủ nghĩa Hậu tối giản thông qua lăng kính được cho là nữ quyền. Là một người Do Thái chạy trốn khỏi Đức Quốc xã khi còn nhỏ, cô đã khám phá các dạng hữu cơ, tạo ra các mảnh bằng sợi thủy tinh công nghiệp, mủ cao su và dây thừng gợi lên da hoặc thịt, bộ phận sinh dục và các bộ phận khác của cơ thể. Với lý lịch của cô ấy, thật hấp dẫn khi tìm thấy sự tổn thương hoặc lo lắng tiềm ẩn trong những tác phẩm như tác phẩm này.

Ảnh: Courtesy Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại

Theo sau Judd và Flavin, một nhóm nghệ sĩ đã rời bỏ quan điểm thẩm mỹ về những đường nét gọn gàng của Chủ nghĩa Tối giản. Là một phần của thế hệ Chủ nghĩa Hậu tối giản này, Richard Serra đã đưa khái niệm về vật thể cụ thể lên trên các steroid, mở rộng đáng kể quy mô và trọng lượng của nó, đồng thời biến định luật hấp dẫn trở thành một phần không thể thiếu trong ý tưởng này. Ông đã tạo ra những hành động cân bằng bấp bênh của các tấm và ống thép hoặc chì nặng hàng tấn, có tác dụng tạo cảm giác đe dọa cho tác phẩm. (Có hai trường hợp, những người thợ lắp đặt các mảnh của Serra đã thiệt mạng hoặc bị thương tật khi tác phẩm vô tình bị sập.) Trong những thập kỷ gần đây, tác phẩm của Serra đã áp dụng cách tinh chỉnh theo đường cong khiến nó trở nên cực kỳ phổ biến, nhưng trong giai đoạn đầu, các tác phẩm như One Ton Prop (House of Cards), có bốn tấm chì tựa vào nhau, truyền đạt mối quan tâm của anh ấy một cách trực tiếp tàn bạo.

Ảnh: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Theo xu hướng phản văn hóa chung trong những năm 1960 và 1970, các nghệ sĩ bắt đầu nổi dậy chống lại chủ nghĩa thương mại của thế giới phòng trưng bày, phát triển các loại hình nghệ thuật hoàn toàn mới như công việc đào đất. Còn được gọi là nghệ thuật trên đất liền, nhân vật hàng đầu của thể loại này là Robert Smithson (1938–1973), người cùng với các nghệ sĩ như Michael Heizer, Walter De Maria và James Turrel, đã mạo hiểm đến các sa mạc ở miền Tây Hoa Kỳ để tạo ra những tác phẩm hoành tráng hành động hòa hợp với môi trường xung quanh. Cách tiếp cận dành riêng cho địa điểm này, như tên gọi của nó, thường sử dụng các vật liệu được lấy trực tiếp từ cảnh quan. Đó là trường hợp của SmithsonCầu tàu xoắn ốc, nhô vào Hồ Great Salt của Utah từ Rozel Point trên bờ phía đông bắc của hồ. Được làm từ bùn, tinh thể muối và đá bazan được khai thác tại chỗ,Biện pháp cầu tàu xoắn ốc1.500 x 15 feet. Nó bị chìm dưới hồ trong nhiều thập kỷ cho đến khi một đợt hạn hán vào đầu những năm 2000 khiến nó nổi lên mặt nước trở lại. Năm 2017,Cầu tàu xoắn ốcđược mệnh danh là tác phẩm nghệ thuật chính thức của Utah.

Ảnh: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Tác phẩm đặc sắc của nghệ sĩ gốc Pháp,nhệnđược thành lập vào giữa những năm 1990 khi Bourgeois (1911-2010) đã ở tuổi tám mươi. Nó tồn tại trong nhiều phiên bản với quy mô khác nhau, bao gồm cả một số phiên bản hoành tráng.nhệncó ý nghĩa như một lời tri ân dành cho mẹ của nghệ sĩ, một người phục chế tấm thảm (do đó ám chỉ đến thiên hướng giăng tơ của loài nhện).

màn trập

Giành giải thưởng Turner danh giá năm 1994, Antony Gormley là một trong những nhà điêu khắc đương đại nổi tiếng nhất ở Vương quốc Anh, nhưng ông cũng được cả thế giới biết đến nhờ quan điểm độc đáo về nghệ thuật tượng hình, một trong những nền tảng có nhiều biến thể về quy mô và phong cách, phần lớn, trên cùng một khuôn mẫu: Một khuôn đúc từ chính cơ thể của nghệ sĩ. Điều đó đúng với tượng đài có cánh khổng lồ này nằm gần thị trấn Gateshead ở phía đông bắc nước Anh. Nằm dọc theo trục đường lớn,Thiên thầnbay lên độ cao 66 feet và trải rộng 177 feet từ đầu cánh này đến đầu cánh khác. Theo Gormley, tác phẩm này có ý nghĩa như một loại dấu hiệu mang tính biểu tượng giữa quá khứ công nghiệp của Anh (tác phẩm điêu khắc nằm ở đất nước than đá của Anh, trung tâm của Cách mạng Công nghiệp) và tương lai hậu công nghiệp của nước này.

Được phép CC/Flickr/Richard Howe

Được người dân Chicago trìu mến gọi là “The Bean” vì hình dạng elip uốn cong của nó,Cổng Mây, tác phẩm nghệ thuật công cộng của Anish Kapoor cho Công viên Thiên niên kỷ của Thành phố Thứ hai, vừa là tác phẩm nghệ thuật vừa là kiến ​​trúc, cung cấp cổng vòm sẵn sàng cho Instagram dành cho những người đi dạo vào Chủ nhật và những du khách khác đến công viên. Được chế tạo từ thép tráng gương,Cổng MâyTính phản chiếu của ngôi nhà vui nhộn và quy mô lớn khiến nó trở thành tác phẩm nổi tiếng nhất của Kapoor.

Được phép của nghệ sĩ và Greene Naftali, New York

Tác phẩm của Rachel Harrison kết hợp chủ nghĩa hình thức hoàn hảo với sở trường truyền tải các yếu tố tưởng chừng như trừu tượng với nhiều ý nghĩa, bao gồm cả ý nghĩa chính trị. Cô đặt câu hỏi gay gắt về tính hoành tráng và đặc quyền nam tính đi kèm với nó. Harrison tạo ra phần lớn các tác phẩm điêu khắc của mình bằng cách xếp chồng và sắp xếp các khối hoặc tấm xốp, trước khi phủ chúng bằng hỗn hợp xi măng và hoa văn họa tiết. Quả anh đào trên cùng là một loại vật thể được tìm thấy, một mình hoặc kết hợp với những vật thể khác. Một ví dụ điển hình là ma-nơ-canh này nằm trên một hình dáng thon dài, có nhiều vết sơn. Mặc áo choàng và đeo mặt nạ Abraham Lincoln quay ngược, tác phẩm gửi gắm lý thuyết vĩ nhân về lịch sử với việc gợi nhớ đến kẻ chinh phục Thế giới Cổ đại đứng cao trên một tảng đá màu chú hề..